Fotografia: Me mirësjellje Muzeu Naturhistorisches

Skulptura juaj e historisë së artit, kjo figurinë e vogël me përmasa pak më shumë se katër centimetra në lartësi u zbulua në Austri në vitin 1908. Askush nuk e di se çfarë funksioni shërbeu, por supozimet variojnë nga perëndeshë e fertilitetit deri tek ndihma për masturbim. Disa studiues sugjerojnë se mund të ketë qenë një autoportret i bërë nga një grua. Është më i famshmi nga shumë objekte të tilla që datojnë nga Epoka e Vjetër e Gurit.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Wiki Media/Philip Pikart

Ky portret ka qenë një simbol i bukurisë femërore që kur u zbulua për herë të parë në 1912 brenda rrënojave të Amarna, kryeqyteti i ndërtuar nga faraoni më i diskutueshëm i historisë së Egjiptit të Lashtë: Akhenaten. Jeta e mbretëreshës së tij, Nefertiti, është diçka misterioze: Mendohet se ajo sundoi si faraon për një kohë pas vdekjes së Akhenaten - ose më shumë gjasa, si bashkëregjente e mbretit të djalit Tutankhamun. Disa egjiptologe besojnë se ajo ishte në të vërtetë nëna e Tutit. Ky bust gëlqeror i veshur me llaç mendohet të jetë vepër e dorës e Thutmose, skulptorit të oborrit të Akhenatenit.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

E zbuluar në vitin 1974, Ushtria Terrakota është një sasi e madhe statujash balte të varrosura në tre gropa masive pranë varrit të Shi Huang, perandorit të parë të Kinës, i cili vdiq në 210 para Krishtit. E krijuar për ta mbrojtur atë në jetën e përtejme, Ushtria besohet nga disa vlerësime se numëron më shumë se 8,000 ushtarë së bashku me 670 kuaj dhe 130 qerre. Secili është në madhësinë e jetës, megjithëse lartësia aktuale ndryshon sipas gradës ushtarake.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Wiki Media/LivioAndronico

Ndoshta skulptura më e famshme e antikitetit romak,Laocoön dhe Bijtë e Tijfillimisht u zbulua në Romë në 1506 dhe u zhvendos në Vatikan, ku banon edhe sot e kësaj dite. Ai bazohet në mitin e një prifti trojan të vrarë së bashku me djemtë e tij nga gjarpërinjtë e detit të dërguar nga perëndia e detit Poseidon si ndëshkim për përpjekjen e Laocoön-it për të ekspozuar mashtrimin e Kalit të Trojës. I instaluar fillimisht në pallatin e Perandorit Titus, ky grupim figurativ me përmasa reale, që i atribuohet një treshe skulptorësh grekë nga ishulli i Rodosit, është i pakrahasueshëm si një studim i vuajtjes njerëzore.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Një nga veprat më ikonike në të gjithë historinë e artit, Davidi i Mikelanxhelos e kishte origjinën në një projekt më të madh për të dekoruar mbështetëset e katedrales së madhe të Firences, Duomo, me një grup figurash të marra nga Dhiata e Vjetër. TëDavidiishte një, dhe në fakt filloi në 1464 nga Agostino di Duccio. Gjatë dy viteve të ardhshme, Agostino arriti të përpunojë një pjesë të bllokut të madh të mermerit të gdhendur nga guroreja e famshme në Carrara përpara se të ndalonte në vitin 1466. (Askush nuk e di pse.) Një artist tjetër e kapi atë, por edhe ai, vetëm punoi shkurtimisht për të. Mermeri mbeti i paprekur për 25 vitet e ardhshme, derisa Michelangelo rifilloi gdhendjen e tij në 1501. Ai ishte 26 vjeç në atë kohë. Kur mbaroi, Davidi peshonte gjashtë tonë, që do të thotë se nuk mund të ngrihej në çatinë e katedrales. Në vend të kësaj, ajo u ekspozua vetëm jashtë në hyrje të Palazzo Vecchio, bashkia e Firences. Figura, një nga distilimet më të pastra të stilit të Rilindjes së Lartë, u përqafua menjëherë nga publiku fiorentin si një simbol i rezistencës së vetë qytetit-shtetit kundër fuqive të ngritura kundër tij. Në vitin 1873,Davidiu zhvendos në Accademia Gallery dhe një kopje u instalua në vendndodhjen e saj origjinale.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Wiki Media/Alvesgaspar

I njohur si krijues i stilit barok të lartë romak, Gian Lorenzo Bernini krijoi këtë kryevepër për një kishëz në Kishën e Santa Maria della Vittoria. Baroku ishte i lidhur pazgjidhshmërisht me Kundër-Reformimin, nëpërmjet të cilit Kisha Katolike u përpoq të frenonte valën e protestantizmit që po përhapej në Evropën e shekullit të 17-të. Veprat e artit si ajo e Berninit ishin pjesë e programit për të riafirmuar dogmën Papale, të shërbyera mirë këtu nga gjeniu i Berninit për mbushjen e skenave fetare me narrativa dramatike.Ekstaziështë një rast konkret: subjekti i tij - Shën Tereza e Avilës, një murgeshë dhe mistik spanjolle karmelite që shkroi për takimin e saj me një engjëll - përshkruhet pikërisht kur engjëlli është gati të zhysë një shigjetë në zemrën e saj.EkstaziTonet erotike të tij janë të pagabueshme, më e dukshme në shprehjen orgazmike të murgeshës dhe pëlhurën e përdredhur që mbështjell të dyja figurat. Një arkitekt si artist, Bernini gjithashtu projektoi mjedisin e Kapelës me mermer, llaç dhe bojë.

Fotografia: Me mirësjellje Muzeu Metropolitan i Artit/Fondi Fletcher

Artisti italian Antonio Canova (1757–1822) konsiderohet të jetë skulptori më i madh i shekullit të 18-të. Puna e tij mishëronte stilin neoklasik, siç mund ta shihni në interpretimin e tij në mermer të heroit mitik grek Perseus. Canova në fakt bëri dy versione të veprës: Njëri banon në Vatikan në Romë, ndërsa tjetri qëndron në Gjykatën Evropiane të Skulpturës së Muzeut Metropolitan të Artit.

Fotografia: Muzeu Metropolitan i Artit

Ndërsa mjeshtri impresionist Edgar Degas njihet më së miri si piktor, ai gjithashtu punoi në skulpturë, duke prodhuar atë që ishte ndoshta përpjekja më radikale e krijimtarisë së tij. Degas modësValltarja e vogël katërmbëdhjetëvjeçareprej dylli (nga i cili u derdhën kopjet e mëvonshme të bronzit pas vdekjes së tij në 1917), por fakti që Degas e veshi subjektin e tij eponim me një kostum të vërtetë baleti (e plotësuar me bust, tutu dhe pantofla) dhe parukë me flokë të vërtetë shkaktoi një ndjesi kurbalerindebutoi në Ekspozitën e Gjashtë Impresioniste të 1881 në Paris. Degas zgjodhi të mbulonte shumicën e zbukurimeve të tij me dyll për t'u përshtatur me tiparet e tjera të vajzës, por ai mbajti tutunë, si dhe një fjongo që lidhte flokët e saj, ashtu siç ishin, duke e bërë figurën një nga shembujt e parë të objektit të gjetur. art.balerinishte e vetmja skulpturë që Degas ekspozoi gjatë jetës së tij; pas vdekjes së tij, në studion e tij u gjetën rreth 156 shembuj të tjerë.

Fotografia: Me mirësjellje Muzeu i Artit në Filadelfia

Ndërsa shumica e njerëzve e lidhin skulptorin e madh francez Auguste RodinMendimtari, ky ansambël që përkujton një incident gjatë Luftës Njëqindvjeçare (1337–1453) midis Britanisë dhe Francës është më i rëndësishëm për historinë e skulpturës. I porositur për një park në qytetin e Calais (ku rrethimi njëvjeçar nga anglezët në 1346 u hoq kur gjashtë pleq të qytetit u ofruan për ekzekutim në këmbim të kursimit të popullsisë),Burgerëti shmangej formatit tipik të monumenteve në atë kohë: në vend të figurave të izoluara ose të grumbulluara në një piramidë në majë të një piedestali të lartë, Rodini mblodhi subjektet e tij në përmasa reale drejtpërdrejt në tokë, në nivel me shikuesin. Kjo lëvizje radikale drejt realizmit prishi trajtimin heroik që zakonisht akordohen vepra të tilla në natyrë. MeBurgerët, Rodin hodhi një nga hapat e parë drejt skulpturës moderne.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Flickr/Wally Gobetz

Në vitin 1912, Picasso krijoi një maket kartoni të një pjese që do të kishte një ndikim të madh në artin e shekullit të 20-të. Gjithashtu në koleksionin e MoMA, ajo përshkruante një kitarë, një temë që Picasso shpesh eksploronte në pikturë dhe kolazh, dhe në shumë aspekte,Kitarëtransferoi teknikat e prerjes dhe ngjitjes së kolazhit nga dy dimensione në tre. Ai bëri të njëjtën gjë edhe për kubizmin, duke mbledhur forma të sheshta për të krijuar një formë të shumëanshme me thellësi dhe vëllim. Risia e Pikasos ishte të shmangte gdhendjen dhe modelimin konvencional të një skulpture nga një masë e fortë. Në vend të kësaj,Kitarëishte e lidhur së bashku si një strukturë. Kjo ide do të kumbonte nga konstruktivizmi rus deri te minimalizmi dhe më gjerë. Dy vjet pas krijimit tëKitarënë karton, Picasso e krijoi këtë version në kanaçe të prerë

Fotografia: Muzeu Metropolitan i Artit

Nga fillimet e tij radikale deri në mishërimin e tij përfundimtar fashist, Futurizmi italian tronditi botën, por asnjë vepër e vetme nuk e ilustron delirin e qartë të lëvizjes sesa kjo skulpturë nga një prej dritave të saj kryesore: Umberto Boccioni. Duke filluar si piktor, Boccioni iu kthye punës në tre dimensione pas një udhëtimi të vitit 1913 në Paris, në të cilin ai vizitoi studiot e disa skulptorëve avangardë të periudhës, si Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon dhe Alexander Archipenko. Boccioni i sintetizoi idetë e tyre në këtë kryevepër dinamike, e cila përshkruan një figurë të shpejtë të vendosur në një "vazhdimësi sintetike" lëvizjeje siç e përshkroi Boccioni. Pjesa u krijua fillimisht në suva dhe nuk u derdh në versionin e saj të njohur prej bronzi deri në vitin 1931, shumë kohë pas vdekjes së artistit në 1916 si anëtar i një regjimenti të artilerisë italiane gjatë Luftës së Parë Botërore.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Flickr/Steve Guttman NYC

I lindur në Rumani, Brancusi ishte një nga skulptorët më të rëndësishëm të modernizmit të fillimit të shekullit të 20-të – dhe në të vërtetë, një nga figurat më të rëndësishme në të gjithë historinë e skulpturës. Një lloj proto-minimalisti, Brancusi mori forma nga natyra dhe i racionalizoi ato në paraqitje abstrakte. Stili i tij u ndikua nga arti popullor i atdheut të tij, i cili shpesh shfaqte modele gjeometrike të gjalla dhe motive të stilizuara. Ai gjithashtu nuk bëri asnjë dallim midis objektit dhe bazës, duke i trajtuar ato, në raste të caktuara, si përbërës të këmbyeshëm - një qasje që përfaqësonte një thyerje vendimtare me traditat skulpturore. Kjo pjesë ikonë është një portret i modelit dhe të dashurës së tij, Margit Pogány, një studente hungareze e artit që ai takoi në Paris në 1910. Përsëritja e parë u gdhend në mermer, e ndjekur nga një kopje suva nga e cila u bë ky bronz. Vetë suvaja u ekspozua në Nju Jork në ekspozitën legjendare të armaturës të vitit 1913, ku kritikët e tallnin dhe e sulmuan atë. Por ishte edhe pjesa më e riprodhuar në shfaqje. Brancusi ka punuar në versione të ndryshme tëMlle Poganypër rreth 20 vjet.

Fotografia: Me mirësjellje Muzeu i Artit Modern

Rrota e biçikletëskonsiderohet i pari nga gatimet revolucionare të Duchamp. Megjithatë, kur ai përfundoi pjesën në studion e tij në Paris, ai me të vërtetë nuk e kishte idenë se si ta quante. "Kisha idenë e lumtur të lidhja një rrotë biçiklete në një stol kuzhine dhe ta shikoja atë të rrotullohej," do të thoshte Duchamp më vonë. Duchamp-it iu desh një udhëtim i vitit 1915 në Nju-Jork dhe ekspozimi ndaj prodhimit të madh të mallrave të prodhuara në fabrika të qytetit. Më e rëndësishmja, ai filloi të shihte se bërja e artit në mënyrën tradicionale, të punuar me dorë dukej e pakuptimtë në Epokën Industriale. Pse të shqetësoheni, parashtroi ai, kur artikujt e prodhuar gjerësisht të disponueshëm mund ta bënin këtë punë. Për Duchamp, ideja pas veprës së artit ishte më e rëndësishme sesa mënyra se si u krijua. Ky nocion - ndoshta shembulli i parë i vërtetë i Artit Konceptual - do ta transformonte tërësisht historinë e artit në vazhdim. Ashtu si një objekt i zakonshëm shtëpiak, megjithatë, origjinaliRrota e biçikletësnuk mbijetoi: Ky version është në fakt një kopje që daton nga viti 1951.

Fotografia: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, Nju Jork/Shoqëria e të Drejtave të Artistëve (ARS), Nju Jork

Një pajisje e dashur e koleksionit të përhershëm të Muzeut Whitney,Cirku i Calder-itdistilon thelbin e gjallë që Alexander Calder (1898–1976) solli në jetë si një artist që ndihmoi në formimin e skulpturës së 20-të.Cirku, e cila u krijua gjatë kohës së artistit në Paris, ishte më pak abstrakte sesa "mobilët" e tij të varur, por në mënyrën e vet, ishte po aq kinetike: E bërë kryesisht nga tela dhe druri,Cirkushërbeu si pjesa qendrore për shfaqjet improvizuese, në të cilat Calder lëvizte rreth figurave të ndryshme që përshkruanin kontortionistët, gëlltitësit e shpatave, zbutësit e luanëve, etj., si kryetar zileje si perëndi.

Fotografia: Me mirësjellje Muzeu J. Paul Getty

Si piktor dhe dizajner sixhade, si dhe si skulptor, artisti francez Aristide Maillol (1861–1944) mund të përshkruhet më së miri si një neoklasicist modern, i cili vendosi një orientim të thjeshtë të shekullit të 20-të mbi statujën tradicionale greko-romake. Ai mund të përshkruhet gjithashtu si një konservator radikal, megjithëse duhet të mbahet mend se edhe bashkëkohësit avangardë si Picasso prodhuan vepra në një përshtatje të stilit neoklasik pas Luftës së Parë Botërore. Tema e Maillol ishte nudoja e femrës, dhe nëL'Air, ai ka krijuar një kontrast midis masës materiale të subjektit të tij dhe mënyrës se si ajo duket se po noton në hapësirë ​​– duke balancuar, si të thuash, fizikun e turbullt me ​​praninë e largët.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Flickr/C-Monster

Një artiste japoneze që punon në mediume të shumta, Kusama erdhi në Nju Jork në 1957 duke u kthyer në Japoni në 1972. Në ndërkohë, ajo u vendos si një figurë kryesore e skenës në qendër të qytetit, arti i së cilës preku shumë baza, duke përfshirë Pop Art, Minimalizëm dhe Arti i Performancës. Si një grua artiste që shpesh i referohej seksualitetit femëror, ajo ishte gjithashtu një pararendëse e Artit Feminist. Puna e Kusamës karakterizohet shpesh nga modele halucinogjene dhe përsëritje formash, një prirje e rrënjosur në kushte të caktuara psikologjike - halucinacione, OCD - ajo ka vuajtur që në fëmijëri. Të gjitha këto aspekte të artit dhe jetës së Kusuma-s pasqyrohen në këtë vepër, në të cilën një karrige e zakonshme, e veshur me susta, përfshihet në mënyrë shqetësuese nga një shpërthim si murtajë i zgjatimeve fallike të bëra prej pëlhure të mbushur me qepur.

Fotografia: Whitney Muzeu i Artit Amerikan, Nju Jork, © 2019 Estate of Marisol/ Galeria e Arteve Albright-Knox/Shoqëria e të Drejtave të Artistëve (ARS), Nju Jork

E njohur thjesht me emrin e saj të parë, Marisol Escobar (1930–2016) lindi në Paris nga prindër venezuelas. Si artiste, ajo u lidh me Pop Art dhe më vonë Op Art, megjithëse stilistikisht nuk i përkiste asnjërit grup. Në vend të kësaj, ajo krijoi tablo figurative që ishin menduar si satira feministe të roleve gjinore, të famshmes dhe pasurisë. NëGratë dhe Qeniajo merr përsipër objektivizimin e grave dhe mënyrën se si përdoren standardet e feminitetit të imponuara nga meshkujt për t'i detyruar ato të konformohen.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Flickr/Rocor

Kutia e Brillo është ndoshta më e njohura nga një seri veprash skulpturore që Warhol krijoi në mesin e viteve '60, të cilat në mënyrë efektive e çuan hulumtimin e tij të kulturës pop në tre dimensione. Vërtetë me emrin që Warhol i kishte dhënë studios së tij - Fabrika - artisti punësoi marangozë për të punuar një lloj linje montimi, duke gozhduar së bashku kuti druri në formë kartoni për produkte të ndryshme, duke përfshirë Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes dhe Campbell's Suup, si. pus jastëk sapuni Brillo. Më pas ai pikturoi çdo kuti një ngjyrë që përputhej me origjinalin (e bardhë në rastin e Brillo) përpara se të shtonte emrin dhe logon e produktit në ekran mëndafshi. Të krijuara në shumëfisha, kutitë shfaqeshin shpesh në pirgje të mëdha, duke e kthyer në mënyrë efektive çdo galeri në të cilën ndodheshin në një faksimile me kulturë të lartë të një magazine. Forma dhe prodhimi i tyre serial ishte ndoshta një shenjë e stilit minimalist të sapolindur - ose parodi. Por pika e vërtetë eKuti Brilloështë se si përafrimi i tij i afërt me gjënë reale përmbys konvencionet artistike, duke nënkuptuar se nuk ka asnjë ndryshim të vërtetë midis mallrave të prodhuara dhe punës nga studioja e një artisti.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Flickr/Esther Westerveld

Emri i Donald Judd është sinonim i Artit Minimal, lëvizjes së mesit të viteve '60 që distiloi tendosjen racionaliste të modernizmit në gjërat thelbësore. Për Judd, skulptura nënkuptonte artikulimin e pranisë konkrete të veprës në hapësirë. Kjo ide u përshkrua me termin "objekt specifik" dhe ndërsa minimalistët e tjerë e përqafuan atë, Judd i dha idesë shprehjen e saj më të pastër duke miratuar kutinë si formën e tij të nënshkrimit. Ashtu si Warhol, ai i prodhoi ato si njësi përsëritëse, duke përdorur materiale dhe metoda të huazuara nga fabrikimi industrial. Ndryshe nga kanaçet e supës dhe Marilyns të Warhol-it, arti i Judd-it nuk i referohej asgjëje jashtë vetvetes. "Rigjet" e tij janë ndër pjesët e tij më të njohura. Secila përbëhet nga një grup kutish identike të cekëta të bëra me fletë metalike të galvanizuar, që dalin nga muri për të krijuar një kolonë elementësh të ndarë në mënyrë të barabartë. Por Judd, i cili filloi si piktor, ishte po aq i interesuar për ngjyrën dhe teksturën ashtu edhe për formën, siç shihet këtu nga llaku i trupit me ngjyrë jeshile të aplikuar në pjesën e përparme të çdo kutie. Ndërveprimi i Judd-it i ngjyrës dhe materialit jepPa titull (Stuf)një elegancë e vështirë që zbut absolutizmin e saj abstrakt.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Flickr/Rocor

Ashtu si Benglis, Hesse ishte një grua artiste që filtroi ​​postminimalizmin përmes një prizmi ndoshta feminist. Një hebreje që iku nga Gjermania naziste si fëmijë, ajo eksploroi forma organike, duke krijuar pjesë në tekstil me fije qelqi industrial, latex dhe litar që ngjallnin lëkurë ose mish, organe gjenitale dhe pjesë të tjera të trupit. Duke pasur parasysh prejardhjen e saj, është joshëse të gjesh një rrymë traume ose ankthi në vepra të tilla si kjo.

Fotografia: Me mirësjellje Muzeu i Artit Modern

Pas Judd dhe Flavin, një grup artistësh u larguan nga estetika e linjave të pastra të Minimalizmit. Si pjesë e këtij brezi postminimalist, Richard Serra vendosi konceptin e objektit specifik në steroid, duke e zgjeruar në masë të madhe shkallën dhe peshën e tij dhe duke i bërë ligjet e gravitetit pjesë përbërëse të idesë. Ai krijoi akte të pasigurta balancuese të pllakave dhe gypave prej çeliku ose plumbi me peshë prej tonelatash, të cilat kishin efektin e dhënies së një ndjesie kërcënimi për veprën. (Në dy raste, makineritë që instalonin pjesë të Serra-s u vranë ose u gjymtuan kur puna u shemb aksidentalisht.) Në dekadat e fundit, puna e Serra-s ka adoptuar një përsosje të përkulur që e ka bërë atë jashtëzakonisht popullor, por në fillim, funksionon si One Ton Prop (House of Cards), i cili përmban katër pllaka plumbi të mbështetura së bashku, i komunikoi shqetësimet e tij me drejtpërdrejtshmëri brutale.

Fotografia: Me mirësjellje CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Duke ndjekur prirjen e përgjithshme kundërkulturore gjatë viteve 1960 dhe 1970, artistët filluan të revoltohen kundër komercializmit të botës së galerisë, duke zhvilluar forma rrënjësisht të reja të artit si punimet tokësore. I njohur gjithashtu si arti i tokës, figura kryesore e zhanrit ishte Robert Smithson (1938–1973), i cili, së bashku me artistë si Michael Heizer, Walter De Maria dhe James Turrel, u futën në shkretëtirat e Shteteve të Bashkuara perëndimore për të krijuar vepra monumentale që vepruan në harmoni me mjedisin e tyre. Kjo qasje specifike për vendndodhjen, siç u quajt, shpesh përdorte materiale të marra drejtpërdrejt nga peizazhi. I tillë është rasti me Smithson'sPorta spirale, e cila del në Liqenin e Kripur të Madh të Utah-s nga Rozel Point në bregun verilindor të liqenit. E bërë nga baltë, kristale kripe dhe bazalt të nxjerrë në vend,Masat e Spiral Jetty1500 me 15 këmbë. Ai u zhyt nën liqen për dekada derisa një thatësirë ​​në fillim të viteve 2000 e solli atë përsëri në sipërfaqe. ne vitin 2017,Porta spiraleu emërua vepra arti zyrtare e Jutas.

Fotografia: me mirësjellje CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Puna e artistit me origjinë franceze,Merimangau krijua në mesin e viteve 1990 kur Bourgeois (1911-2010) ishte tashmë në të tetëdhjetat. Ai ekziston në versione të shumta të shkallëve të ndryshme, duke përfshirë disa që janë monumentale.Merimangaështë menduar si një haraç për nënën e artistit, një restaurator sixhade (prandaj aluzioni për prirjen e arachnidit për tjerrje rrjete).

Shutterstock

Fituesi i çmimit prestigjioz Turner në 1994, Antony Gormley është një nga skulptorët bashkëkohorë më të famshëm në Mbretërinë e Bashkuar, por ai është gjithashtu i njohur në mbarë botën për pikëpamjen e tij unike në artin figurativ, në të cilin bazohen variacione të gjera në shkallë dhe stil. në pjesën më të madhe, në të njëjtin shabllon: Një kast i trupit të artistit. Kjo është e vërtetë për këtë monument të madh me krahë që ndodhet pranë qytetit Gateshead në Anglinë verilindore. I vendosur përgjatë një autostrade kryesore,Engjëllingrihet në 66 këmbë në lartësi dhe shtrihet 177 këmbë në gjerësi nga maja e krahut në majë të krahut. Sipas Gormley, vepra është menduar si një lloj shënuesi simbolik midis të kaluarës industriale të Britanisë (skulptura ndodhet në vendin e qymyrit të Anglisë, zemra e Revolucionit Industrial) dhe të ardhmes së saj post-industriale.

Me mirësjellje CC/Flickr/Richard Howe

Quhet me dashuri "The Bean" nga Chicagoans për formën e saj elipsoidale të përkulur,Porta e reve, vepra qendrore e artit publik të Anish Kapoor për Parkun e Mijëvjeçarit të Qytetit të Dytë, është vepra arti dhe arkitekturë, duke ofruar një hark të gatshëm për Instagram për karrocat e së dielës dhe vizitorët e tjerë në park. Fabrikuar nga çeliku i pasqyruar,Porta e reveReflektimi i shtëpisë argëtuese dhe në shkallë të gjerë e bën atë veprën më të njohur të Kapoor.

Me mirësjellje artisti dhe Greene Naftali, Nju Jork

Puna e Rachel Harrison kombinon një formalizëm të përsosur me një aftësi për të ngjallur elemente në dukje abstrakte me kuptime të shumëfishta, përfshirë ato politike. Ajo vë në dyshim monumentalitetin dhe prerogativën mashkullore që shkon me të. Harrison krijon pjesën më të madhe të skulpturave të saj duke grumbulluar dhe rregulluar blloqe ose pllaka stiropori, përpara se t'i mbulojë ato në një kombinim çimentoje dhe lulëzim pikture. Qershia sipër është një lloj objekti i gjetur, qoftë vetëm ose në kombinim me të tjerët. Një shembull kryesor është ky manekin mbi një formë të zgjatur, të spërkatur me bojë. E veshur me një pelerinë dhe një maskë të Abraham Lincoln me fytyrë prapa, vepra dërgon teorinë e njeriut të madh të historisë me evokimin e saj të pushtuesit të botës së lashtë që qëndron i gjatë në një shkëmb me ngjyrën e kllounit..